Comment un juriste russe de 30 ans a brisé le lien entre la peinture et le monde visible — et posé les bases de l’art du XXe siècle.
1. Qui était-il ?
Vassily Wassilyevich Kandinsky naît le 16 décembre 1866 à Moscou, dans une famille bourgeoise cultivée. Il grandit dans une Russie dont la richesse culturelle et mystique nourrira durablement sa quête artistique.
Contrairement à la plupart des peintres de sa génération, il arrive à l’art tardivement : après des études de droit et d’économie à l’Université de Moscou, il choisit en 1896 — à 30 ans — de tout quitter pour Munich, où il intègre l’Académie des Beaux-Arts.
Son parcours artistique se déploie en trois phases distinctes :
- 1896–1910 : exploration figurative et post-impressionniste, sensibilité chromatique croissante.
- 1910–1933 : affirmation de l’abstraction pure, grandes Compositions, puis rigueur géométrique au Bauhaus (1922–1933).
- 1933–1944 : période parisienne, biomorphisme, jusqu’à sa mort à Neuilly-sur-Seine le 13 décembre 1944.
Ses œuvres de référence : Première Aquarelle Abstraite (vers 1910), la série des Compositions (1910–1939), Jaune-Rouge-Bleu (1925), Plusieurs Cercles (1926).
2. Ses influences
La formation intellectuelle de Kandinsky est aussi importante que sa formation picturale. Plusieurs courants l’ont façonné :
La tradition russe et le symbolisme. Son enfance moscovite l’imprègne d’un rapport au mysticisme et à la couleur propre aux icônes orthodoxes et aux arts populaires russes. On rattache souvent à cette source son goût des rouges et des ors intenses dans ses premières œuvres.
L’impressionnisme et le post-impressionnisme. Une exposition de Monet à Moscou en 1895 — les Meules de foin — joue un rôle déclencheur : Kandinsky y découvre qu’une couleur peut agir seul, sans que l’objet représenté soit lisible. Ce choc du sujet « dissous » dans la couleur oriente toute sa recherche.
L’expressionnisme munichois. À Munich, il fréquente les cercles de l’avant-garde et co-fonde en 1911 avec Franz Marc le groupe Der Blaue Reiter (Le Cavalier Bleu), creuset de l’expressionnisme spirituel qui cherche à dépasser l’imitation du réel.
La musique et la synesthésie. Kandinsky est profondément influencé par Richard Wagner (l’idéal de l’œuvre d’art totale) et par Arnold Schoenberg, dont il partage la quête d’une expression libérée de toute convention. Il souffre probablement de synesthésie — capacité à « voir » les sons — ce qui structure directement sa théorie des correspondances entre couleurs et sons.
La théosophie. Les écrits de Rudolf Steiner et les courants théosophiques répandus dans l’Europe du début du XXe siècle alimentent sa conviction que l’art peut toucher une réalité spirituelle que le monde visible ne révèle pas.
3. Sa vision du monde
Pour Kandinsky, peindre n’est pas représenter — c’est résonner. Sa pensée tient en un principe qu’il nomme la nécessité intérieure : l’artiste ne crée valablement que lorsqu’il obéit à une vérité intérieure authentique, et non pour imiter la nature ou satisfaire le marché. Seule cette nécessité garantit, selon lui, la valeur spirituelle et émotionnelle d’une œuvre.
« La couleur est un moyen d’exercer une influence directe sur l’âme. » — Vassily Kandinsky, Du Spirituel dans l’Art (1911)
Il attribue à chaque couleur un état intérieur précis : le jaune, agressif et terrestre ; le bleu, spirituel et profond ; le rouge, ardent et confiant. Les formes obéissent à la même logique : le cercle évoque l’harmonie et l’infini ; la ligne droite, l’énergie et le mouvement.
La composition devient ainsi une partition visuelle — terme qu’il emploie lui-même, en parlant d’Improvisations, de Compositions, d’Impressions, comme autant de catégories musicales. Peindre et composer sont, pour lui, deux gestes du même ordre.
Cette vision du monde explique son rapport exigeant à la technique : il ne s’agit jamais de virtuosité gratuite, mais de trouver la forme exacte qui traduit un état intérieur réel.
4. Ce qu’il a apporté
Kandinsky est l’un des tout premiers peintres à avoir franchi le seuil de l’abstraction totale — une œuvre entièrement libérée de toute référence au monde visible. Mais son apport dépasse ce geste fondateur.
La rupture figurative (vers 1910). Avec la Première Aquarelle Abstraite, il produit ce qui est souvent cité comme la première œuvre entièrement non-figurative de l’art occidental. Le débat sur la paternité exacte de l’abstraction existe (Mondrian, Malevitch sont également cités), mais Kandinsky est celui qui l’a le plus rigoureusement théorisé.
La théorisation systématique. Du Spirituel dans l’Art (1911) pose les bases de la psychologie de la couleur appliquée à la peinture. Point et Ligne sur Plan (1926) constitue une grammaire formelle de l’abstraction. Ces deux ouvrages restent des références dans les écoles d’art aujourd’hui.
La pédagogie au Bauhaus (1922–1933). Kandinsky enseigne à Dessau et à Weimar aux côtés de Paul Klee, László Moholy-Nagy, Oskar Schlemmer. Il y développe un cours d’analyse de la forme qui influence directement la formation des designers, architectes et plasticiens du XXe siècle.
La composition symphonique. La série des Compositions (dix toiles de grand format, 1910–1939) reste sa contribution la plus ambitieuse : chaque œuvre est conçue comme une structure musicale, avec tension, développement, résolution. Composition VII (1913) notamment — l’une des toiles les plus complexes de l’art abstrait — est préparée par des dizaines d’études préliminaires.
5. Son influence aujourd’hui
L’héritage de Kandinsky irrigue l’art contemporain de manière à la fois directe et diffuse.
L’expressionnisme abstrait américain. Dans les années 1940–1960, Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning prolongent l’idée kandinskienne que la peinture doit porter une vérité intérieure. Rothko reprend explicitement la thèse des couleurs comme vecteurs d’émotion pure.
Le design et l’art numérique. La grammaire formelle codifiée dans Point et Ligne sur Plan structure encore la pédagogie du design graphique et du motion design. L’idée que les formes et les couleurs ont une valeur émotionnelle intrinsèque est aujourd’hui intégrée dans le design d’interface, la direction artistique publicitaire, et l’art génératif.
La méditation visuelle et le bien-être. À une époque de saturation d’images figuratives, l’abstraction kandinskienne retrouve une pertinence inattendue : ses compositions invitent à un ralentissement du regard, à une forme de contemplation qui contraste avec la surinformation visuelle des réseaux sociaux.
L’art-thérapie. Sa conviction que la couleur et la forme agissent directement sur l’état intérieur a nourri le développement de pratiques thérapeutiques utilisant la création abstraite pour accéder à des états émotionnels non verbalisables.
Dans nos ateliers Dessiner Ensemble, nous nous appuyons régulièrement sur la liberté formelle ouverte par Kandinsky pour inviter les participants à dessiner sans chercher à « bien représenter » — et à découvrir que l’expression peut précéder la maîtrise technique.
Pour explorer d’autres figures qui ont transformé le regard sur la peinture, lisez aussi notre portrait de Paul Klee, poète de l’abstraction et notre dossier sur les grands mouvements artistiques du XXe siècle.
📍 Point de repère
Sources et références pour aller plus loin :
- Kandinsky, V. Du Spirituel dans l’Art et dans la Peinture en particulier (1911). Traduction française : Gallimard/Folio essais — texte fondateur, accessible et court.
- Kandinsky, V. Point et Ligne sur Plan (1926). Traduction française : Gallimard/Folio essais — grammaire formelle de l’abstraction.
- Grohmann, W. Wassily Kandinsky — Life and Work (1958). Abrams — monographie de référence, biographie documentée.
- Weiss, P. Kandinsky in Munich : The Formative Jugendstil Years (1979). Princeton University Press — sur les années de formation.
- Centre Pompidou, Paris — collection permanente, nombreuses toiles accessibles en ligne : centrepompidou.fr
- Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich — plus grande collection mondiale de la période Der Blaue Reiter.
- Guggenheim Museum, New York — importantes collections de la période américaine : guggenheim.org
FAQ
Pourquoi Kandinsky est-il considéré comme le père de l’art abstrait ? Kandinsky est généralement cité comme l’un des tout premiers peintres à avoir produit une œuvre entièrement abstraite — sans aucune référence au monde visible — vers 1910. Il a en outre théorisé cette démarche dans Du Spirituel dans l’Art (1911), posant les bases intellectuelles de l’abstraction pour les générations suivantes.
Qu’est-ce que la « nécessité intérieure » chez Kandinsky ? C’est le principe central de sa philosophie artistique : l’artiste doit créer sous l’impulsion d’une vérité intérieure authentique, et non pour imiter la nature ou plaire au marché. Seule cette nécessité intérieure garantit, selon lui, la valeur spirituelle et émotionnelle d’une œuvre.
Où peut-on voir les œuvres de Kandinsky en France ? Le Centre Pompidou à Paris conserve un ensemble important d’œuvres de Kandinsky, dont plusieurs toiles de la période Bauhaus et des compositions abstraites majeures. L’entrée est gratuite le premier dimanche du mois.
Cet article fait partie de la série hebdomadaire « Un Moment Avec… », où nous vous faisons découvrir les artistes qui nous inspirent le plus. Retrouvez tous nos portraits sur dessiner-ensemble.com.
